29 juillet 2017

IGOR STRAVINSKI (1882-1971)

Suite de L’Histoire du soldat pour violon, clarinette et piano (1919)

Le soldat Joseph profite de ses quinze jours de permission pour rentrer chez lui. Sur la route il croise un étrange personnage qui lui propose contre son modeste violon un livre où est écrit l’avenir. Marché conclu. Arrivé dans son village, Joseph se rend compte que personne, pas plus sa mère que sa fiancée, ne le reconnaît. Il pensait être resté trois jours avec son étrange compagnon mais trois ans se sont écoulés. Si, grâce au livre, Joseph a gagné une fortune, il a perdu son âme et, bien sûr, son bienfaiteur n’était autre que le Diable. Le malheureux soldat espère alors retrouver son innocence. Son errance le mène dans une ville où le roi promet la main de sa fille à qui la guérira d’un mal inconnu. Joseph tente sa chance et grâce à son violon qu’il a récupéré, sauve la malade. Mais quand les jeunes mariés se rendent dans le village natal de Joseph, le Diable les attend et emporte Joseph pour toujours.C’est sur ce récit du grand écrivain suisse Charles-Ferdinand Ramuz (1878-1947) qu’Igor Stravinski compose en 1917 L’Histoire du soldat. Les deux hommes avaient auparavant collaboré à l’adaptation française des textes de Noces et de Renard. Tous deux réduits par la guerre à une situation financière précaire, ils envisagent une œuvre qui se satisferait d’un effectif léger « une espèce de
petit théâtre ambulant » et un ton dans l’esprit du conte populaire. La
partition convoque ainsi trois acteurs, incarnant le Narrateur, Joseph et le
Diable et un ensemble instrumental hétéroclite : un violon, une contrebasse, une clarinette, un basson, un cornet à pistons, un trombone et des percussions. Les forces telluriques du Sacre du printemps et l’opulence sonore des grands ballets qui ont frappé le public juste avant la première guerre mondiale semblent bien loin. Mais ce que la musique perd en densité et en décibels, elle le gagne en âpreté, en aigreur et en mobilité. Plus que jamais le rythme, comme le Diable, mène la danse et Stravinski n’hésite pas à flirter avec le jazz et les musiques à la mode : deux numéros de la partition s’intitulent d’ailleurs Ragtime et Tango. Stravinski préfère au beau son et aux savants alliages de timbres la rugosité et la confrontation de sonorités hétérogènes. Ce théâtre de tréteaux ne pouvait qu’évoluer dans des échos de bastringue. Après la création à Lausanne en septembre 1918, Stravinski proposera l’année suivante une suite, donc privée de voix et concentrée, de L’Histoire du soldat, réservée à l’indispensable violon, une clarinette et un piano. Elle comporte cinq parties – Marche du soldat, Le violon du soldat, Petit concert, Tango / Valse / Ragtime et Danse du diable – et c’est la version que nous entendons ce soir.

MAURICE RAVEL (1875-1937)

Sonate n° 2 pour violon et piano (1927)

C’est un Ravel également épuré et radical que l’on croise dans sa sonate
pour violon et piano. Aussi l’auditeur sensible aux timbres de l’orchestre du Boléro, de Ma Mère l’oye ou de Daphnis et Chloé comme à la science du coloriste de L’Enfant et les sortilèges ou du quatuor à cordes risque-t-il de juger cette sonate un peu sèche, aride, parfois peu flatteuse. Le dernier Ravel,
celui des années 1920, prône en effet un « renoncement au charme harmonique ». Plus qu’au mélange des notes pensé pour inventer des
sonorités inouïes, le compositeur semble se préoccuper du tracé des lignes
instrumentales, à leur clarté, à leur pureté adamantine. À tel point que Ravel
paraît vouloir accentuer le déséquilibre naturel (nature du son, manière de le
faire naître, de le tenir, de le vibrer, de le laisser s’éteindre) entre les deux instruments. Ils partagent certes, dans le premier mouvement Allegretto
les mêmes thèmes. Le piano commence seul, énonce le sujet principal, à la
courbe descendante puis ascendante et le violon lui emboîte aussitôt le pas.
Mais ensuite chacun donne l’impression d’aller dans sa propre direction. Il
s’agirait plus de deux unités indépendantes que d’un réel duo. Les deux
instruments trépigneront également à leur tour sur une formule dynamique et ironique de cinq notes répétées. Dans le deuxième mouvement, Ravel rejoint également Stravinski par l’allusion au jazz. Mais ça n’est pas une première, d’autres œuvres comme son opéra L’Enfant et les sortilèges y recourent. C’est donc dans un Blues lascif aux sonorités étonnantes que s’engagent les deux instruments qui retrouvent leur complicité attendue. Le violon imite le banjo, le piano se déhanche autant qu’il le peut et joue parfois des percussions. Si la piste de danse semble déserte, les deux musiciens jouent les vedettes et font tout pour attirer les regards. Ravel s’éloigne plus que jamais des tendresses, nostalgies et autres confidences espérées dans un mouvement lent de sonate. Il poursuit alors sa course dans un Perpetuum mobile aux accents encore jazzy (le piano semble d’ailleurs anticiper le finale du concerto pour piano en sol) dont l’idée principale découle du premier mouvement. La sonate pour violon et piano fut créée à Paris en 1927 par Georges Enesco et Maurice Ravel au piano.

JOHANNES BRAHMS (1833-1897)

Trio pour clarinette, violoncelle et piano opus 114 

En 1885, Johannes Brahms dirige à Meiningen en Thuringe la première de sa symphonie n° 4. Il entretient ses relations avec l’orchestre grâce à son ami le chef Hans von Bülow. Quelques années plus tard, il fait la connaissance de Richard Mühlfeld premier clarinettiste de l’ensemble dont il admire le style. Le timbre velouté de l’instrument, propre à la confidence, ne pouvait que convenir à un compositeur alors orienté vers l’intimité musicale (les dernières pièces pour piano). Quatre chefs-d’œuvre naîtront de cette rencontre automnale (les années 1890) : un trio, un quintette et deux sonates avec clarinette. Le registre médian et ses teintes mordorées y resplendissent comme rarement. Composé l’été 1891 à Bad Ischl, station thermale de Haute-Autriche où Brahms a l’habitude de venir se reposer, le trio s’organise en quatre mouvements. Il s’ouvre par un Allegro dans lequel se succèdent trois idées. La première incombe au violoncelle solo dans un grand geste lyrique que prolonge la clarinette. Ce même instrument énonce la deuxième, mélancolique, caractère commun à la troisième est confiée au piano. Plus que sur l’opposition des thèmes, caractéristique de l’écriture classique, Brahms joue sur leur tuilage. Il ne faut d’ailleurs pas compter sur l’Adagio pour rompre cette belle harmonie automnale. La clarinette puis
le violoncelle, instruments naturellement lyriques et proches de la voix, dialoguent ainsi sur un ton de confidence. Leur conversation, nourrie mais jamais houleuse, se prolonge dans le délicieux et si bien nommé Andantino grazioso, construit sur une mélodie inoubliable. Après ces deux moments en suspension en mode majeur, le la mineur du premier mouvement revient, accompagné d’un rythme plus marqué, plus impérieux, essentiellement martelé par le piano sans que s’affirme pourtant l’énergie chorégraphique de la musique de chambre du jeune Brahms. Le temps a fait son œuvre.